CARLOS HUGO CHRISTENSEN

 EL DESEO Y EL AMOR EN EL CIRCULO VICIOSO DE LA DESTRUCCIÓN.

Uno de los directores, con producción más interesante y menos lineal, durante la década del 40 y parte de la del 50 fue sin dudas, Carlos Hugo Christensen.

CARLOS HUGO CHRISTENSEN

Nacido  en Santigo del Estero en  1914. De ascendencia danesa comienza su relación con el cine de manera bastante asistemática, luego de un breve paso por la dramaturgia y la crítica cinematográfica en la revista “El Hogar”. Cumpliendo éstas funciones conoce a Cesar Guerrico, directivo de Lumitón, ingresando a estos estudios cinematográficos como ayudante.

Un verdadero autodidacta, cargado de una fuerte intuición logra  dirigir su primera película “El buque embotellado” (1939) que no llegó a tener estreno comercial, pero que desde su título deja plasmada ese clima de encierro que seguirá desarrollando en sus mejores creaciones, tanto en nuestro país como Brasil donde se radica a partir de la caída del peronismo en 1955 hasta su muerte en 1999.

Al año siguiente llega su segunda realización “ El inglés de los güesos” protagonizada por Arturo García Buhr y Anita Jordán la que es recibida cálidamente por crítica y público.

A partir de ésta película su carrera transitará por los más diversos géneros, incluyendo la adaptación de clásicos literarios, las comedias livianas, los melodramas con carga erótica y temáticas policiales. Siendo, sin ningún lugar a duda, los dos últimos géneros en los que marcó la diferencia como creador logrando sus mejores productos, siempre con un excesivo cuidado de la fotografía y en la dirección de actores.

El verdadero punto de quiebre que permite aflorar al Christensen más profundo y tortuoso se da con “Safo, historia de una pasión” (1943) el primer film argentino con una carga sexual inusitada para la época y que su análisis permite develar una trama homo erótica encubierta. Tema que será recurrente en sus mejores creaciones pero siempre desde una mirada claustrofóbica y oscura, muy propia del momento socio cultural donde la homosexualidad quedaba relegada al ostracismo más absoluto, siendo aquello que no se podía poner en palabras; convertida más en padecimiento que en orientación.

SAFO, HISTORIA DE UNA PASION.

Ese ambiente claustrofóbico propio de su cine se sustenta en trípode conformado por

Las temáticas trágicas: con  personajes que siempre inician desde una ingenuidad para ir sufriendo un proceso de degradación como consecuencia de vivencias que los marcarán de manera indeleble y definitiva.
La densidad en el tratamiento de los temas: los espacios están trabajados siempre desde el  encierro como forma de  reproducir un  recorrido moral descendente de los protagonistas. Para lograr plasmar esta densidad la escenografía y la puesta en escena, junto con un rol protagónico de la banda sonora se conjugan en una verdadera acción de fundición. Hay una forma recurrente en la filmografía de Christensen del tratamiento del clímax en el cual el personaje realiza un verdadero exorcismo de sus   miedos, para mostrarlo recurre a un. plano pecho del protagonista, que permite un particular recorte de luz sobre el rostro, que queda enmarcado en un juego de  contrapicado de imágenes y voces que lo van rodeando como acechándolo..

La iluminación: los juegos de luces y, fundamentalmente, de sombras instalan en la historia, con fuerza por momentos devastadora, el  inconsciente de los personajes. El uso de este recurso formal, adquiere en Christensen  ribetes no explorados, hasta ese momento, en nuestra cinematografía al evidenciar lo siniestro y lo fatal donde una cierta fuerza  va acorralando a los personajes hasta su propia destrucción, lo que evidencia el peso del castigo, propio de la concepción judeo cristiana, ante lo sexual y en especial ante lo homo erótico.

Safo, protagonizada por Mecha Ortiz y Roberto Escalada plantea la historia de Selva Moreno  una mujer con una vida sexual no tradicional, que conoce a un muchacho mucho menor que ella e inicia una relación donde la violencia simbólica está presente en toda la trama y, sutilmente, altera las acciones clásicas propias de cada género, para un esquema hetero-nomativo , al otorgar al personaje de Selva toda la fuerza por sobre el joven. Cómo si quien ejerciera el verdadero status masculino fuera ella y no el.

MECHA ORTIZ

Tres años después de Safo vuelve al melodrama erótico con “El ángel desnudo”, donde se plantea la historia de un hombre en bancarrota, acosado por deudas de juego que decide mandar a su hija adolescente (Elsa) a pedirle dinero a un escultor. El artista aceptará dárselo a cambio de verla desnuda.

Protagonizada por Olga Zubarry y Guillermo Battaglia es en donde se lleva a cabo  el primer desnudo del cine argentino, un desnudo donde solo se ve la espalda de la protagonista. No siendo, en sí mismo tan importante el tratamiento del desnudo sino lo que, en la escena, se induce como liberación de lo más carnal y visceral y para lo que Christensen recurre a un plano detalle de la mirada de Battaglia. Mirada siniestra y salvaje, más propia de un fauno que de un hombre.

El personaje que construye Guillermo Battaglia resulta de los más  es memorables de nuestro  cine; acechando a Elsa como un cazador que devora con la mirada a su presa, a la que sigue y finalmente “desnuda”.
En  la escena final, cuando Elsa parece salir de las sombras  para entregarse al escultor, vemos  el clásico recorte de Christensen  donde la  iluminación hace foco sobre la mirada poseída del personaje en la que aflora  el mal y la perversidad.

Nuevamente  el erotismo establece un vínculo, perversamente indisoluble,  con lo prohibido, lo incontrolable; legitimando una vez más el mandato sociocultural del momento donde la pulsión sexual  por fuera de la función procreadora del  matrimonio llevaba consigo un castigo.

El comienzo del filme es un plano detalle de unos pies masculinos  que la cámara sigue en un verdadero travelling. Esos pies son del padre de Elsa que hace justicia, por mano propia, por la historia que  veremos planteada  mediante un flashback. Éste tratamiento permite, desde el comienzo vislumbrar el final trágico.

OLGA ZUBARRY Y GUILLERMO BATTAGLIA.

En 1949 llegará el turno de reunir a Roberto Escalada y Olga Zubarry en “Los Pulpos”. En este filme el tema preponderante será un amor enfermizo, tortuoso y lacerante con el cual una mujer de apariencia angelical desafía el rol clásico de heroína sufriente. Ya que es ella quien dirige toda la acción que tiene como único blanco a  un hombre débil.

Horacio es un escritor que comienza una relación epistolar  con Mirta,una joven oriunda de San Luis, que en sus cartas le confiesa su amor. La joven virginal llega a Buenos Aires  y tratando de adaptarse a la vida de la ciudad encuentra en Horacio su guía;  hasta aquí el planteo pareciera no ofrecer ribetes propios del cine de Christensen. Pero, justamente por tratarse de él, la personalidad ingenua de Mirta irá realizando el tránsito degradatorio de todos sus personajes. Aquí el esquema será enamorar a Horacio para traicionarlo en repetidas oportunidades y la forma en que Horacio entra en ese círculo vicioso de perversión y destrucción.

La transformación de Mirta, a lo largo del desarrollo de la trama, es radical pero sutil. Esa sutileza se observa en elementos que podrían pasar, en una mirada desprevenida del espectador, inadvertidos: tales como: determinados arrebatos, gestos fuera de lugar, uso de vocabulario inadecuado, etc. 

En “Los Pulpos”, Christensen interpela la configuración del lo femenino como un universo intrigante, sórdido y cambiante.

Resulta interesante tomar en cuenta la transformación que también se produce en el espectador con el devenir de la historia, ya que en una de  las escenas iniciales cuando, un personaje secundario, Maldonado tilda a Horacio de ingenuo por enamorarse de una mujer el espectador verá en él un simple resentido, reafirmando este sentimiento ante lo angelical de Mirta. Sin embargo la transformación de la protagonista es lenta pero constante; así la chica inocente se transforma en trabajadora (ocultando ésta condición y fingiendo pertenecer a una familia acomodada). Horacio  asiste a estos cambios con una inocencia casi infantil que será la principal aliada de Mirta para gestar un verdadero monstruo que vive para sacarle dinero, burlarse de él y traicionarlo; es decir una verdadera sociópata que puede cometer las mayores crueldades sin la menor empatía ni remordimiento ante el resquebrajamiento de la salud de Horacio que comienza a somatizar el “mal amor”. 

Tales ribetes adquiere la perversión que el protagonista se debate varias semanas entre la vida y la muerte, con la ausencia total de su amada y será, justamente Maldonado quien redime a Horacio haciendo que se estrene una obra teatral por el escrita (con profunda base autobiográfica) y que lleva el título de “Los Pulpos”. 

El éxito de ese estreno será el verdadero tiro de gracia para Horacio, ya que con el volverá a aparecer en escena Mirta, ofreciéndole su vida a cambio del perdón y Horacio vuelve a caer en los tentáculos de esta mujer-pulpo.

ROBERTO ESCALADA

Otra protagonista de la historia es la noche porteña para lo cual el director recurre a una abundancia de exteriores, rasgo no común en el “cine de estudio”.

La banda sonora se resume en dos temas musicales con existencia anterior a la película: el tango "Uno" y el bolero “La última noche” . Resulta llamativo e innovador la utilización de  este recurso, ya que la misma banda sonora remitirá a los momentos felices y al descenso al infierno de Horacio. Esta doble utilización tiene como finalidad mostrar la circularidad de la pareja como continua agonía: un hombre siempre dispuesto a perdonarla como si fuera un sino trágico y una mujer en apariencia siempre a punto de amarlo para volver a traicionarlo.

Cuando, en el final, el arrepentimiento parece auténtico el espectador ya no necesita volver a creer en ella, simplemente porque la vida ya no le dará oportunidad a Horacio.

Christensen es el director que supo retratar como nadie los ambientes claustrofóbicos, lo tortuoso, la diversidad como sino trágico y puso en sus mejores películas aquellos fantasmas que lo atormentaban posiblemente desde su infancia. Estas características le ocasionaron conflicto con los organismos fiscalizadores de la moral y las buenas costumbres. 

En la década del '50 decidió seguir su carrera fuera del país y luego de filmar en Chile y Venezuela se radicó en Brasil, donde siguió trabajando hasta su muerte en 1999.